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TÉCNICAS TRADICIONALES DE GRABADO

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DEL LIBRO “Taller 99, 50 años”, LA FUENTE EDITORES LTDA.

1) RELIEVE:

Nombre genérico que reúne las técnicas de grabado e impresión basadas en el principio de desbastamiento de las zonas de no imagen e impresión de las reservas dejadas en la superficie.

• Xilografía
Grabado de relieve que utiliza un taco de madera como matriz.  La imagen se produce al realizar incisiones y cortes con gubias sobre su superficie, estableciendo un  bajo y un sobre relieve.  El  taco se entinta con un rodillo, el que permite que la tinta sólo quede en la superficie.  Posteriormente se coloca una hoja encima de la matriz y, a través de presión, se procede a imprimir la imagen.

• Linograbado
Grabado de relieve de características similares a la xilografía donde se reemplaza la madera por linóleo.

• Tipografía
Procedimiento industrial de impresión en relieve que utiliza el cliché metálico (fotograbado) o fotopolímero como matriz para recibir el traspaso de la imagen por medios fototécnicos y que es grabada mediante ácidos o agua.


2) HUECOGRABADO:

Nombre genérico que reúne las técnicas de grabado e impresión basadas en la producción de incisiones sobre una plancha de metal para establecer las zonas de impresión.  Llamada también intaglio o calcografía.

• Buril (Talla dulce)
Herramienta de acero poliédrica cortada por la punta en diferentes secciones.  Se utiliza en xilografía a contrafibra y en la técnica directa de grabado calcográfico que recibe su nombre.

• Punta seca
Punta de acero muy duro, cilíndrica y afilada cónicamente por la punta.  Procedimiento de grabado que incide directamente sobre la plancha de metal, abriendo el metal duro y dejando rebabas (o rebordes) en ambos lados del surco.  El uso de esta herramienta determina el nombre de la técnica.

• Mezzotinta (Manera Negra)
Procedimiento de grabado calcográfico de incisión directa sobre una plancha graneada?? mediante el berceau o graneador, aguatinta o fotograbado mecánico.  Mediante el rascador y el bruñidor se obtienen mediastintas y luces.

• Aguafuerte
Técnica indirecta de grabado en hueco que consiste en proteger una plancha de metal con un barniz y dibujar la imagen con una punta, dejando partes del metal al descubierto.  Posteriormente la plancha se sumerge en un baño de ácido que corroerá los trazos descubiertos, produciendo una incisión, la cual recibirá la tinta en el proceso de impresión.

• Aguatinta
Grabado en hueco que permite obtener una gama de grises.  Se realiza aplicando con un cernidor polvo de resina sobre una plancha de metal.  Al calentar la plancha, los granos de resina quedan adheridos a ésta, protegiendo zonas del metal cuando son introducidas al ácido.  Las relaciones entre densidad de la resina y la profundidad de la mordida son las que producirán los distintos grises.

• Barniz Blando
Procedimiento de grabado calcográfico que utiliza un barniz graso y permite obtener con gran fidelidad los trazos del lápiz y la reproducción de variadas texturas.

• Azúcar
Grabado al azúcar.  Sistema de reserva de la imagen basado en la utilización de disolventes que no se mezclan; se dibuja (reserva) con azúcar disuelta en agua y se protege toda la plancha con barniz diluido en xilol, bencina blanca o diluyente.  Al secar, se retira el azúcar con agua y se recupera la imagen, quedando el metal al descubierto.

• Terrazas, viscosidad de tintas, Hayter
Método calcográfico, ideado por S. W. Hayter, que permite estampar varios colores desde una matriz en una pasada por el tórculo ( o prensa).  Consiste en morder la plancha en diversos niveles de profundidad, entintar en hueco y, con rodillos de diferentes durezas, aplicar tintas de distinta viscosidad.

• Fotograbado
Proceso fotomecánico de grabado.  Sobre la matriz de metal cubierta con emulsión fotosensible, se insola la imagen en transparencia.  Luego de revelar, se procede igual que un aguafuerte.

• A la Poupée
Método de entintado policromo sin registros en una misma matriz.

3) PLANOGRAFÍA

Nombre genérico que reúne las técnicas de grabado e impresión basadas en el principio de rechazo que se produce entre el agua y los cuerpos grasos.  Al no haber incisiones, este sistema no produce diferencias de relieve por lo que se le llama sistema plano.

• Litografía
Procedimiento planográfico que consiste en dibujar una imagen con lápiz o tinta grasa sobre una piedra calcárea preparada para recibir tanto el agua como la grasa.  El entintado se consigue humedeciendo toda la superficie con agua y aplicando tinta grasa con un rodillo.  Esto produce que la tinta quede depositada sólo en las áreas dibujadas.  Se obtiene la estampa poniendo una hoja de papel encima y presionando ésta sobre la piedra mediante una prensa litográfica.

• Algrafía
Utilización del principio litográfico sobre plancha de aluminio graneada.

• Offset
Sistema de impresión industrial que aplica el principio litográfico, utilizando como matriz planchas de aluminio preparadas con emulsión fotosensible.  En el proceso de impresión se transfiere la imagen desde la matriz a una mantilla de caucho y luego, al papel.

• Fotolitografía
Estampa resuelta mediante la utilización del principio litográfico, ya sea sobre piedra o metal preparado con emulsión fotosensible.


4) ESTARCIDO

Sistema de estampación basado en la utilización de plantillas recortadas para reservar las áreas de no impresión.  Principio general de la serigrafía.

• Serigrafía
Técnica de grabado popularizada como medio artístico en la segunda mitad del siglo XX.  Consiste en hacer pasar la tinta a través de una finísima tela de nylon sujeta a un bastidor.  La imagen se realiza bloqueando la tela en las zonas de no impresión, formando una plantilla.  Este proceso puede realizarse de forma manual y fotoquímica.  Al utilizar emulsión fotosensible, se le denomina fotoserigrafía.

"Polvo y Ceniza" de Isabel Izquierdo en Centro Cultural Las Condes

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Muestra de cerámica en torno a ruinas de convento
ARTISTA VISUAL ISABEL IZQUIERDO
TRABAJA CON FRAGMENTOS DE FE

  • La exposición POLVO Y CENIZA se presenta en el Centro Cultural Las Condes entre el 8 de noviembre y el 1 de diciembre. 
  • Esta propuesta nace de los escombros de un monasterio, con los que la autora crea piezas contemporáneas de múltiples lecturas.

POLVO Y CENIZA, que se presenta en el Centro Cultural Las Condes entre el 8 de noviembre y 1 de diciembre, es la primera muestra individual de Isabel Izquierdo en sus 30 años de carrera, y surge de la exploración que realiza a los restos del monasterio de las monjas Clarisas, en Puente Alto, tras ser abandonado luego del terremoto de 2010. 

En medio de las ruinas, la artista visual chilena encontró fragmentos de imaginería que transformó en moldes para las copias por vaciado que conforman la base de su experimentación. De esta manera, crea piezas contemporáneas, de múltiples lecturas, vinculadas a lo contemplativo, a la fe o la pérdida de ella. 

Las obras están realizadas en blanco y negro, pues ello obliga a investigar dos universos cerámicos: la pasta negra, que es un poco más tosca, y la porcelana de color blanco hueso, con su finura y delgadez. Ambos de diferentes desafíos técnicos y de carácter. De esta exploración de contrastes es que hoy vemos estas esculturas que se despliegan en diferentes conjuntos: negras, fragmentos, adoquines, cilindros y ceniza.

Para la ceramista Ruth Krauskopf, maestra de la artista, “Isabel Izquierdo sorprende con una nueva propuesta. Creativa, reflexiva e inquieta, crea un vocabulario a partir de fragmentos encontrados en un antiguo Convento de Claustro. Reproduce los trozos de reliquias, con cariño y dedicación, otorgándoles un nuevo significado. La artista de siempre, profunda y sensible surge, reinventada, entre los escombros de lo que fuera pura espiritualidad”. 

Y agrega: “Las ruinas del Convento la impactan, y valiente transforma ese hecho en su voz. Lo transfigura. Isabel Izquierdo, audaz, recurre a símbolos que ama profundamente, para construir y proponer horizontes más justos para la humanidad”. 

En cuanto al nombre, POLVO Y CENIZA, Isabel Izquierdo explica que, según el diccionario son sinónimos: ceniza es el “polvo de color gris claro que queda después de una combustión completa”. Pero, si nos mudamos al universo de la tradición judeo-cristiana, “polvo” y “ceniza” se separan lo suficiente para enriquecerse en sus significados. 

A la ceniza se la asocia con el dolor, el duelo y el arrepentimiento; mientras que el polvo es el recuerdo del origen y destino humano, “polvo eres y en polvo te convertirás”, advirtiendo que la vanidad humana no puede llevarse nada de éste al otro mundo. De estos dos elementos fundamentales está construida esta muestra.

El artista y curador Luis Catalán reflexiona sobre la muestra: “Estas obras vienen de la exploración de los restos que quedaron después que las monjas Clarisas abandonaran su monasterio y que fueron salvados como huellas de un silencio… Todo aquello recolectado en el monasterio se trasladó al taller y, gracias a las copias por vaciado, fue la base de un trabajo y experimentación constante, donde el notable oficio y la mirada tenaz y obsesiva de Isabel, permitió que se convirtieran en obras que nos esperan para que las descubramos y sean parte de nuestro mundo, de nuestra vida contemplativa”.

Isabel Izquierdo Walker (Santiago, 1965) realiza sus estudios superiores en el Instituto de Arte Contemporáneo egresando de Licenciatura en Artes Plásticas en 1987. Ese mismo año ingresa al taller Huara-Huara, de la ceramista Ruth Krauskopf, y se inicia en la cerámica con la profesora Lise Moller.

En 1991 crea su propio taller, donde desarrolla su obra escultórica y utilitaria en cerámica gres, e imparte clases tanto a niños como adultos. Ha desarrollado mediante diferentes cursos la especialidad de psicoplástica, expresión en torno a la búsqueda de una imagen significativa y propia que lleva a potenciar la identidad de cada alumno.

Es coautora del libro “Palabras de tierra” y ha sido curadora de la revista especializada ESTEKA.


Ha participado en más de 36 exposiciones colectivas en Chile, y ha expuesto en Estados Unidos y Francia. En 2018 obtuvo el primer premio en la exposición Blanco y Negro, de Esteka. Este año ha participado en tres exposiciones colectivas en París, Francia: Viennale Revelations Grand Palais y Parcours de la Ceramic 1831, en Art Gallery y Art Élysées. 

Fuente: Centro Cultural Las Condes

Fecha exposición: 08/11/2019 A 01/12/2019
Lugar: Salas de Exposición
Centro Cultural Las Condes
Av. Apoquindo 6570, Las Condes
Región Metropolitana, Chile
Horario: Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas
Teléfono +56 2 28969819
Correo This e-mail address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it
Entrada: Liberada

LYGIA CLARK: LA PINTURA COMO CAMPO EXPERIMENTAL, Guggenheim Bilbao, ESPAÑA

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Lygia Clark (1920–1988) es una importante figura de la vanguardia brasileña, cuyo innovador trabajo abarca más de tres décadas de pintura, escultura, películas, dibujos, grabados, acciones participativas y arte terapéutico. Esta exposición presenta un profundo análisis de la obra que se extiende entre 1948 y 1958, etapa crucial en la que la artista experimentaba entre la figuración y la abstracción para articular el lenguaje visual que definiría su producción futura.

Junto con la representación de su obra más temprana a través de dibujos raramente mostrados, la exposición reúne pinturas de series importantes creadas durante este período, con el objetivo de proporcionar una visión general y fundamental de la primera década de la carrera de Lygia Clark.

Esta muestra está estructurada en tres secciones históricas: “Primeros años, 1948−1952”, “Abstracción geométrica, 1953−1956” y “Variación de la forma: modulando el espacio, 1957−1958”, cada una de las cuales abordará las ideas más significativas de Clark y ofrecerá una concisa selección de obras representativa de su desarrollo artístico.

Curator: Geaninne Gutiérrez-Guimarães


Girl in a jacket
  • - Lygia Clark

  • - El violonchelista (O Violoncelista), 1951

  • - Óleo sobre lienzo

  • - 105,5 x 81 cm

  • - Colección particular

  • © Courtesy of “The World of Lygia Clark” Cultural Association




Fecha exposición:
  • Apertura: 6 de marzo, 2020
  • Finaliza: 24 de mayo, 2020
Lugar: Museo Guggenheim Bilbao
  • Abandoibarra Etorb., 2, 48009 Bilbo,
  • Bizkaia, España
Horario:
  • Martes a Domingo de 10:00 a 20:00Hrs.
  • Lunes cerrado excepto los días: 18 de marzo, 15 y 22 de abril, todos los lunes de julio y agosto, 2 y 9 de septiembre, 23 y 30 de diciembre de 2019
Teléfono +34 944 35 90 00
Correo This e-mail address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it

Escultora chilena Alejandra Ruddoff: “Mi obra no debe ser pesada, tiene que sumarse al paisaje y a la arquitectura”

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Centrada fundamentalmente como escultora, la carrera de la artista visual chilena Alejandra Ruddoff posee un intenso currículum formativo en Chile y en Alemania.

Con una mirada desafiante y analítica, su trayectoria se ha visto constantemente destacada en selecciones de exposiciones, premios, becas y financiamientos para residencias, estudios y producción a nivel nacional e internacional.

Alejandra Marietta Ruddoff Barrionuevo, escultora. Nació el 13 de julio de 1960 en Santiago, Chile.

Entre su amplia generación de obras destacan, a modo de ejemplo, “Homenaje al viento” (2000); “Nach Vorn” (2002); “Memorial de Paine” (2003); “Nach Vorn II” y “ELAN” (2016), anotando presencias en Alemania, China y Estados Unidos, además de Chile.

Por su interés en el gran formato, sus proyectos se desarrollan -generalmente- en el espacio público, proponiendo desde el comienzo una dinámica de diálogo con las personas. Lleva adelante también una reconocida tarea como profesora universitaria.

Una de sus recientes destacadas presencias internacionales la tiene en la Biennale di Venezia de 2017 con su obra “mutatis mutandis”, que se expuso en el Palazzo Mora de Venecia y que se encuentra hasta el 9 de septiembre de 2018 en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos.

¿Cómo surge su interés por estudiar arte? ¿De qué manera observa la forma en que en Chile se enseña el arte en la educación para niños y jóvenes?

– La enseñanza del arte en la educación pública chilena ha sido tímida, debiera incorporar conceptos que permitan valorar los talentos propios que trae cada persona. La educación privada o de colegios particulares, en tanto, ofrece generalmente un programa más amplio, más autónomo, como -por ejemplo- una variedad de talleres en que niños y adolescentes pueden experimentar sus capacidades y sus talentos, a la vez que ejercitan sus habidades.

Ahora, en la mayoría de los casos este tipo de programas no da un marco cultural ni amplía el espectro. Prácticamente no se enseña una reflexión en torno al arte propiamente tal, una reflexión frente al gusto o a la apreciación estética y ese es un problema que repercute generación tras generación.

De todas formas, en ese contexto complejo decidí estudiar arte porque imaginaba que me daría las herramientas para darle forma a las ideas. También tenía un plan B, en el caso de que el arte no fuera lo mío: era estudiar arquitectura. ¡Pero el arte sí era lo mío!

En medio de su búsqueda artística, hace casi treinta años inicia un proceso estético de Escultora chilena Alejandra Ruddoff: “Mi obra no debe ser pesada, tiene que sumarse al paisaje y a la arquitectura” “desmaterialización del volumen”, con el fin de “expandir” la escultura en el espacio. ¿Cuáles eran sus objetivos con esta indagación?

– Bueno, lo cierto es que el proceso de desmaterialización del volumen que he desarrollado todavía está en expansión o sigue su curso, tal como la expansión del universo. Y con ello me refiero a que las obras que voy produciendo siguen el camino de la desmaterialización, siguen perdiendo peso.

Ahora, es importante decir en este punto que el dibujo, el trazo que hago al proyectar una obra, es la guía principal. La línea me señala la ruta para seguir en la búsqueda de la verdad del instante. Creo que una escultura no debe ser pesada, ni en cuanto a su peso ni en cuanto a su valor visual. Al contrario, debe sumarse al paisaje, debe integrarse en la arquitectura y pasar a ser parte de ella.

“Homenaje al viento”

2000 Hommage an den Wind, 9 x 2,5 x 118 m, Rostfreier Stahl, Km 82,28 de la ruta 9, Punta Arenas - Puerto Natales,Chile

A comienzos de los años 90 nace su relación con Alemania, tras obtener una beca del servicio de intercambio académico. A través de ella realiza estudios de postgrado en la Akademie der Bildenden Künste München. ¿Qué significa esta experiencia en su carrera?

– ¡La estadía en München fue extraordinaria! La Akademie der Bildenden Künste München me brindó libertad, espacio y me dio acceso a todas las materias que estaban disponibles para formarse como artista y desarrollar un lenguaje plástico propio.

Fue un período muy rico en todo sentido, académicamente me formaba a la vez que descubría la línea de trabajo que me interesaba para poder darle forma a las ideas.

La estadía también trajo consigo el conocer una cultura que vive con la naturaleza, que se alimenta espiritualmente de ella, del bosque. Pienso que ni Bach ni Goethe habrían logrado la obra que nos legaron sin sus innumerables caminatas por el bosque.

Aprendí que el deporte se integra a la vida cotidiana para mantener el espíritu alerta y joven, que el agua de los lagos está ahí a la mano para refrescarte cuando decides saltar en ellas para renovar tus energías. Incorporé la bicicleta como medio de transporte diario, ganando vitalidad a la vez de aportar al medioambiente y de vivir la ciudad desde otro ritmo.

Todo esta extraordinaria base, más las lecciones de mi gran profesor Ladner -entre muchos otros- fueron parte de los tres años que duró la formación y el título.

2001 Konstellation in grau, 190 x 410 x 190 cm, Bemaltes Eisen

En la Bienal de Venezia 2017 usted propone la obra “mutatis mutandis”, que profundiza su búsqueda por el movimiento, el espacio y la materia. ¿Es posible extrapolar esas dinámicas a las preguntas existenciales del mundo actual? ¿Cómo -por ejemplo- movimiento, espacio y materia van determinando la historia de hoy?

– Sí, “mutatis mutandis” quiere cambiar “lo que se debe cambiar”, la obra lleva consigo no sólo un orden sino que también la fuerza de la vida misma. “mutatis mutandis” significa “cambiando lo que hay que cambiar”. Es un término creado y usado por los abogados.

La propuesta de esta obra es también un “llamado” o un “mandato” o un grito que dice -por ejemplo- “paremos de producir plástico y armas”. Hoy en día la humanidad tiene tanta información científica que puede medir no solamente si va a llover o no.

Es un hecho y lo sabemos: estamos desbordando el mundo. Esta obra es un grito silencioso en torno a “cambiar lo que hay que cambiar”. La presencia de las fuerzas centrípetas y centrífugas nos acercan a la idea del eterno retorno.

“Mutatis mutandis” también va en la búsqueda de la levedad del instante. Indaga en el momento exacto del origen y del devenir y surge de la inquietud de materializar el movimiento a través de la forma.

A pesar de su estancia en Europa, de todas formas ha vuelto a exponer en Chile algunas veces. ¿Cómo evalúa esos regresos? ¿Establece un diálogo artístico rico con lo local? Y, por otro lado, ¿cómo ve la enseñanza artística a nivel universitario?

– Los regresos para un chileno “que le ha ido bien afuera” -como dicen- no es cosa fácil. Sobre todo cuando llegas con formaciones, con premios, con mucha experiencia. El chileno pareciera que -más bien- quiere olvidarte.

Ahora, desde el punto de vista de la enseñanza artística a nivel universitario, creo que ha cambiado mucho en el país y en el mundo, las facultades han reformulado sus posiciones con respecto a qué es el arte. El arte hoy en día se ha ampliado mucho, tanto que ha tenido que volver a definirse.

En ese sentido, por ejemplo, un sitial importante lo ocupa hoy el arte con contenido político, como lo podemos ver en los grandes y más renombrados espacios existentes como Documenta de Kassel, la Bienal de Venezia, el Münster Project o la Berlin Biennale.

Sólo en este botón de muestra puede verse, además, que de cuatro espacios artísticos importantes, tres se encuentran en Alemania lo que tiene una razón: desde siempre, pero -especialmente y de manera más destacada- desde el fin de la Segunda Guerra Mundial, Alemania se define y exporta como una nación cultural.

Uno de sus objetivos más importante como país es la cultura y el arte. Esto, sin duda, repercute y alimenta los cambios al interior de las escuelas de arte.

2003 Ursprüngliche Inschrift, 246 x 230 x 30 cm, pino.

Finalmente , su obra “mutatis mutandis” forma parte de la muestra “Diáspora”, que se presenta en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos. ¿Se puede decir -entonces- que Chile aprecia esta importante propuesta y el significado que tiene?

– Sí, me parece un importante reconocimiento que Chile haga esta exposición en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, ¡lo agradezco mucho! Y sobre todo en esta exposición llamada “Diáspora”, que se debe a que los cinco artistas que representamos a Chile en la Bienal de Venecia 2017 tenemos líneas de trabajo muy distintas y algunos con trayectoria en el extranjero; por lo tanto, formamos parte de una diáspora de artistas contemporáneos chilenos.

Mujeres Bacanas: Marta Colvin, la escultora de la fuerza de la naturaleza

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Marta Colvin. Foto: Memoria Chilena.

Reconocida fuera y dentro de Chile, las obras de esta chilena se exhiben hasta hoy en distintas partes del mundo. 

Nació en Chillán, mitad irlandesa y mitad chilota. Marta Colvin se casó con apenas 16 años y tuvo tres hijos siendo muy joven. De la vida hogareña pasó a la artística gracias a un encuentro con una ex profesora de dibujo con la cual comenzó a modelar en greda. Junto a otras dueñas de casa formaron el grupo Tanagra donde aprendieron escultura en forma autodidacta.

“Me habría resignado a vaciar sólo en mi universo doméstico mis anhelos de creación, si un hecho fortuito, sin importancia aparente en sí, no hubiera encendido la chispa inicial del que debía ser mi destino”, escribió años después.

El terremoto de Chillán de 1939 literalmente sacudió su vida, porque su casa se destruyó y tuvo que radicarse en Santiago. Con 32 años entró a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile donde luego de estudiar, siguió de ayudante y más tarde de profesora. Siendo ya una mujer madura Marta supo seguir creciendo y forjar su propio camino en el arte.

Entre 1948 y 1949 viajó a Francia becada por el gobierno francés para continuar su formación como escultora en la Academia Grand Chaumiere. También tomó cursos de Historia del Arte en el Louvre y de Estética en la Sorbonne. Un par de años después fue becada por el British Council para seguir estudiando en Londres. Ahí conoció al escultor Henry Moore quien fue fundamental en su formación y la hizo desarrollar elementos de la tradición y cultura prehispánica. Colvin luego realizaría viajes por Perú y Bolivia en busca de inspiraciones precolombinas.

En 1970 Marta ganó el Premio Nacional de Arte y siguió recibiendo galardones, fuera y dentro de Chile, hasta el fin de sus días. Sus obras se lucen en distintas partes del mundo; literalmente de Talca a París y Londres, pasando por Amsterdam, Osaka y Santiago. Vivió más de dos décadas en Francia e incluso se casó con un filósofo y crítico de arte francés. Sus esculturas se fueron alejando de la forma humana, y transformándose en representación de la fuerza de la naturaleza en distintos materiales y soportes.

En 1990 regresó a Chile y en 1993 se realizó una gran retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes. Murió un par de años después y en año 2007 la sucesión de Marta Colvin donó su archivo personal a la Biblioteca y Archivo del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile. Es una de las hijas ilustres de Chillán y en el fundo “El Mono” de su primer marido, Fernando May Didier, se instaló el museo Marta Colvin con parte de su historia.

Fuente: T13

Pachamama. Piedra roja de los Andes sin pulir, 1986. Parque de las esculturas, Providencia.
Quinchimalí, 1956.
Marta Colvin. Artista irlandesa-chilena.

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